Veronika Pell e l’estetica dell’ignoto. Tra AI, fiabe oscure e trasformazione.

Il lavoro di Veronika Pell spazia tra videoarte, serie di immagini digitali e cortometraggi, mantenendo sempre una forte matrice cinematografica e una particolare attenzione al suono come elemento narrativo. Le sue opere si muovono nel territorio della fiaba oscura, tra teatralità, assurdo, surrealismo e trasformazione continua. Figure femminili, creature mutanti e mondi sospesi tra nascita e collasso convivono in un immaginario potente, dove il bello e l’inquietante si intrecciano costantemente.

Veronika definisce il proprio metodo “growing imagery”, una pratica ricorsiva nella quale le opere si alimentano a vicenda fino a comportarsi come un organismo vivente in continua evoluzione.
Riconosciuta tra le Top 50 Women in AI Art 2025 e tra le Top 50 Women in AI Filmmaking 2026 da Leonardo.Ai, è stata inoltre protagonista di approfondimenti pubblicati da Forbes Australia. Il suo cortometraggio How to Poison Art ha ottenuto il secondo posto nella categoria Arts & Culture al Korean International AI Film Festival ed è stato selezionato da importanti manifestazioni internazionali dedicate al cinema e all’arte generativa.

In questa intervista ci accompagna nel cuore del suo universo creativo, raccontandoci il rapporto tra arte, bellezza, paura e trasformazione.

Cosa ti ha portata a lavorare nel campo dell’arte AI?

Ci sono arrivata per caso.
Stavo attraversando un momento difficile, cercando di capire cosa fare della mia vita, e ho aperto uno dei primi strumenti di intelligenza artificiale semplicemente per creare e stampare una texture da utilizzare in un pannello decorativo che stavo costruendo a casa.
Quel pannello non l’ho mai finito.
Ho iniziato invece a giocare con l’AI e non mi sono più fermata. Molto rapidamente ho capito che finalmente potevo riunire in un unico spazio tutto ciò che avevo fatto attraverso mezzi espressivi molto diversi tra loro: cinema, fotografia, multimedia, arte contemporanea. Così ho deciso di restare in questo campo.

Da dove nasce l’ispirazione per il tuo lavoro?

Ovunque, sinceramente. Osservo costantemente ciò che stanno creando gli altri artisti. Oggi ci influenziamo tutti a vicenda. I feed sono pieni dei lavori degli altri. Al di fuori di questo, ci sono il cinema, le mostre, i libri e NTS Radio che suona nel mio studio quasi ogni giorno.
La musica mi regala immagini in modo diretto. A volte penso che potrei passare l’intera vita semplicemente a tradurre canzoni in immagini.
Mi piace anche estrarre frasi dai libri o da Internet e inserirle nei prompt per vedere cosa accade. I temi ai quali torno continuamente sono al tempo stesso molto attuali e molto antichi: Internet e l’universo, la rivolta e la sensazione di un collasso imminente, il digitale come qualcosa che cresce dalla natura piuttosto che contro di essa.

E le donne, sempre le donne.

Ci sono artisti contemporanei o del passato che ti hanno ispirata o che guidano la tua pratica artistica?

Tantissimi, e la lista cambia continuamente. Ma ce ne sono due che restano costanti: Marina Abramović e David Lynch. Marina, perché il suo lavoro è senza tempo, emotivo e politico allo stesso tempo, perché ha trasformato l’essere donna e l’essere presente in una pratica artistica. Lynch perché mi ha mostrato il mondo così come lo vivo realmente: surreale, assurdo, bellissimo nella sua oscurità.

Attorno a loro c’è una lista più lunga: Felix Gonzalez-Torres, Francis Alÿs, Sol LeWitt, Agnes Martin, Philippe Parreno, Anish Kapoor, Rinko Kawauchi, Aleksandra Waliszewska, Genevieve Figgis. Dal mondo digitale: AES+F, Jon Rafman, BLUESOUP, molti degli artisti che stanno costruendo la propria voce su OBJKT e tutti gli artisti di AI generativa che stanno definendo il modo in cui questo mezzo viene utilizzato.
E sotto tutto questo c’è sempre la musica.

Cosa pensi della bellezza e qual è il tuo rapporto con questo concetto così profondo?

Per me la bellezza è sempre stata collegata alla paura. Da bambina avevo molta paura del buio, ma allo stesso tempo ne ero profondamente attratta attraverso le fiabe, l’horror, le immagini religiose, i videogiochi e l’animazione.

Per questo la bellezza non mi è mai sembrata qualcosa di puramente rassicurante o decorativo. Mi è sempre apparsa come qualcosa capace di avvicinarti a ciò che normalmente eviteresti di guardare.
Penso che la bellezza levigata e perfetta, da sola, sia diventata emotivamente appiattita a causa della sovraesposizione. Ciò che mi interessa di più è quando la bellezza diventa grezza, eccessiva, contaminata o difficile da elaborare e persino da spiegare.

Hai una tua definizione di bellezza?

Non credo di avere una definizione rigida della bellezza, ma spesso trovo belle le cose che contengono una frizione al loro interno. Qualcosa di troppo perfetto di solito non mi colpisce molto. Semplicemente non mi sembra abbastanza complesso.
Tendo a ricordare le cose nelle quali attrazione e disagio avvengono simultaneamente, quando vieni sedotto abbastanza da permettere all’ignoto di entrare dentro di te e lasciarvi un segno. Qualcosa che ti cambia e rende il tuo mondo più grande e più ricco di sfumature.

L’arte è anche un modo per esprimere emozioni nascoste o superare paure?

Sì, anche se non in un senso terapeutico diretto. L’arte apre nuovi mondi dentro di me. Mi spinge più a fondo nella comprensione delle cose, nella ricerca, nell’apprendimento e nel riconoscimento di ciò che sento davvero mio.

Ogni opera mi rende anche un po’ più coraggiosa. Non mi piace restare ferma creativamente in un unico luogo, quindi sono costantemente alla ricerca di modi nuovi e più intensi per comunicare qualcosa.
Questo processo ti costringe ad assumerti dei rischi, a commettere errori, a sperimentare e, a volte, a fallire pubblicamente. Ma credo che sia necessario se vuoi che il lavoro continui a crescere invece di ripetersi.

C’è un messaggio che cerchi sempre di trasmettere al pubblico attraverso il tuo lavoro?

Di solito non parto da un messaggio diretto. Mi interessa di più creare atmosfere che le persone possano vivere emotivamente prima ancora di spiegarle sul piano intellettuale.
Tuttavia, probabilmente c’è un elemento che ritorna in tutto il mio lavoro: non vivo la trasformazione, il decadimento, la paura o l’instabilità come qualcosa di puramente tragico. Anche quando qualcosa è spaventoso, mostruoso o travolgente, continuo a essere colma di meraviglia per il semplice fatto che tutto questo esista e continui a cambiare forma.

Credo che gran parte del mio lavoro nasca dall’osservare l’esistenza stessa non come qualcosa di privo di significato, ma come un processo continuo di sperimentazione, mutazione, collasso e creazione che avvengono simultaneamente. In questo c’è orrore, ma anche bellezza, curiosità e stupore. Persino gli stati più difficili finiscono per trasformarsi in qualcos’altro. Nulla rimane immobile a lungo.

Penso che il mio lavoro cerchi di restare all’interno di quel vortice, invece di uscirne per giudicarlo da lontano.